Entrevistamos a Tomás Hijo en el Salón del Cómic de Barcelona.
Por Redacción
Publicado el 16/06/2026
Estuvimos charlando hace unas semanas con uno de los artistas de fantasía y terror más famosos del país
Tomás Hijo, uno de los artistas de fantasía y terror más admirados de nuestro país, fue uno de los invitados destacados de la última edición del Salón del Cómic de Barcelona. No podíamos dejar pasar una oportunidad así.
Su estilo, inconfundible desde el primer trazo, ha dado vida a más de ochenta libros publicados en todo el mundo, además de a proyectos tan singulares como las barajas de tarot inspiradas en El laberinto del fauno, Cristal Oscuro, La Casa del Dragón o El Señor de los Anillos.
Pero si hay un territorio en el que su obra ha dejado una huella especialmente profunda es el del terror literario. Sus ediciones ilustradas de Lovecraft publicadas por Minotauro —La sombra sobre Innsmouth, El morador de las tinieblas o Dagon— son un caramelo para cualquier horrófilo. A ellas se suman sus particulares visiones de Drácula y Frankenstein, así como el magnífico ensayo ilustrado Poe/Corman. Con él hemos querido explorar su pasado, presente y futuro.
Poe, Lovecraft, Stoker, Shelley…. ¿La elección de autores clásicos responde más a gustos personales o a propuestas editoriales?
La selección de los autores es algo totalmente personal, aunque siempre va acompañada del criterio de los editores, en este caso Minotauro y T&T. Es una sensibilidad compartida. El proceso está tan integrado que ya ni recuerdo, si pienso en los últimos libros que he hecho, cuáles fueron iniciativa mía y cuáles de ellos. Va por “calentadas”, como suelo llamarlo, esos momentos en que te juntas con alguien, empiezan a surgir temas y, de repente, a alguien se le ocurre la idea. En cualquier caso, todos están hechos por puro amor hacia estos autores.
Lovecraft, en particular, siempre ha sido considerado un autor difícil de adaptar: sus criaturas son “indescriptibles”, “inenarrables”, etc. Por otro lado, también es un arma de doble filo. Lo “lovecraftiano” es una marca que vende bien, pero esto mismo ha supuesto una masificación en el mercado, y la competencia es brutal. ¿Cómo afrontaste este doble reto, tanto el de encajar tu estilo en el universo de Lovecraft como el de hacerte un hueco destacable en este panorama?
Como bien has dicho, adaptar a Lovecraft, y además desde la ilustración, es especialmente difícil. En el cine puedes separar el texto original a la hora de adaptarlo, pero en ilustraciones tienes que ser bastante fiel. Con Lovecraft pasa que hay textos que son muy descriptivos, a veces excesivamente, y otros donde todo se resuelve con vaguedades. Creo que quien mejor lo supo llevar fue Alberto Breccia en Los mitos de Cthulhu, donde los monstruos son irreconocibles gracias a su estilo abstracto. Pero eso estaba ya pillado, y yo quería ofrecer mi propia versión. Es difícil, pero todo mi poso viene de intentar bucear en los recuerdos de la adolescencia, tanto de las partidas de rol que jugué de La llamada de Cthulhu como de la primera vez que leí a Lovecraft. Digo que es difícil, pero en realidad está guay, porque deja un espacio enorme para aferrarse a las pocas palabras que él nos da y tratar de construir algo con ellas. En mi caso, siempre intento que el monstruo aparezca. Y también está el tema de la competencia, que antes mencionabas. Hay una enorme tradición de artistas que ya han ilustrado esto, así que por un lado tienes referentes donde apoyarte, y por otro un montón de “sillas ocupadas” para no repetirte. Es un desafío muy divertido.
Yéndonos al segundo punto, es cierto que existe una sobresaturación de “lovecraftianismo” en todos los ámbitos, incluida la ilustración. El único recurso al que puedo agarrarme es ser fiel a mi estilo personal, tratar de darle una visión que es única, simplemente por ser mía. Ni excesivamente original, ni excesivamente pintoresca. Afortunadamente, creo que está funcionando bien la propuesta.
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Has ilustrado numerosas obras ajenas. Tengo entendido que, más que las historias en sí, lo que te atrae es el worldbuilding. ¿Qué criterios sigues para elegir un proyecto?
En el caso de Lovecraft, desde luego, el criterio para elegir un proyecto son los monstruos. Lo que más me gusta, lo que más me divierte y lo que creo que puede aportar a un libro una dimensión de espectáculo, es la posibilidad de encontrarte con seres maravillosos. Alrededor de la obra de Lovecraft ha ido creciendo un universo fascinante de criaturas y posibilidades. Es lo que más mola de ilustrarlo, puedes escoger obras que tengan monstruos chulos e interesantes. De hecho, el último libro, Dagon y otros relatos, está compuesto por varias historias cortas en vez de una larga justamente por esa razón. Me permitía ir de las entidades alienígenas al horror tentacular, pasando por sus relatos a lo Robert E. Howard, donde describe civilizaciones que se alzan y caen en diez líneas. Me lo planteo un poco como si fuera el concept art de una película. Diseño cada monstruo más allá de las necesidades del propio libro, me entretengo imaginándolo por completo, y luego intento reflejarlo en algo cinematográfico, como si estuviera trabajando en una película de animación. Eso me permite jugar más con las proporciones, la exageración, el movimiento o las perspectivas extrañas. Creo que ese es el factor diferencial.
Llegados a este punto, es inevitable hablar de tu técnica. ¿Cómo llegaste a construir esa identidad visual? Háblanos del proceso creativo.
La idea que hay detrás de la técnica que utilizo viene de mi deseo de ilustrar a Tolkien. Hubo un momento en mi carrera en el que, después de un cúmulo de experiencias que no me satisfacían, decidí centrarme en ilustrar solo lo que realmente me apetecía, y eso se resumía en dos nombres: Tolkien y Lovecraft. Afortunadamente, ambas líneas han cuajado en el mundo editorial y he podido trabajar en proyectos relacionados. Al tiempo que tanteaba la posibilidad de ilustrar libros, también me interesé por la técnica del grabado. Me parecía que, para ilustrar a Tolkien, lo suyo era no repetir lo que ya habían hecho Alan Lee y John Howe (dos autores que me flipan, admiro y con los que incluso he llegado a tener cierta relación). Como he dicho, son sillas que ya estaban ocupadas. La idea era usar una técnica metalingüística que me permitiese ilustrar a Tolkien desde dentro del mundo de Tolkien: serigrafía, grabado en madera… técnicas seudo medievales. Algo que evocara imágenes de otro tiempo. Y funcionó, incluso en círculos académicos.
Cuando empecé a ilustrar libros decidí seguir por este camino, pero llegó un momento en que, bien por el tamaño o por la maquetación, el grabado empezó a plantearme ciertas dificultades. Así que me propuse adaptar esta técnica al medio digital, procurando reproducir el entorno de trabajo de un grabador. Trabajo sobre una imagen en negro, como si fuera una plancha de grabado. Con un solo pincel de Photoshop, de un solo grosor, voy trazando todas las líneas, sacando los blancos del negro, sin usar texturas ni degradados, como hago con los grabados. Esta suerte de grabado digital que he construido me permite conservar el mismo lenguaje visual y la misma filosofía de trabajo. De hecho, hay mucha gente ni siquiera los distingue. Gracias a esto, además de poder abordar libros de gran formato, como los de Minotauro, puedo trabajar con más seguridad; en un grabado real no existe Control+Z, si cometes un error, comienzas de cero.
Esta pregunta puede ser tan simple o compleja como tú la quieras entender. ¿Qué es para ti un monstruo?
Bueno, como sabes, soy muy fan de Guillermo del Toro, y es un tipo que le ha dado muchas vueltas a esto, incluso desde un punto de vista sociológico. Pero mi fascinación por los monstruos es puramente estética. No busco que funcionen como metáfora de nada, ni he profundizado especialmente en el aspecto psicológico. Para mí, un monstruo es una criatura con unas características peculiares que me permite jugar con la forma y encontrar soluciones gráficas que no encontraría si dibujara cosas “normales”. Es una búsqueda formal. De hecho, me sorprende leer en algunas reseñas que mis creaciones “son horribles” o que “dan miedo”. En mi caso, lo que hago es una cosa puramente plástica, e incluso humorística, porque dibujar monstruos me resulta gracioso y divertido. Pero, sobre todo, como te decía, los monstruos me ofrecen una enorme capacidad de exploración. Cuando Tolkien describe de forma escueta a los trolls, o Lovecraft a un pólipo volador con partes de distintos animales, para mí eso es un filón, una invitación a pasarme horas disfrutando al máximo con el cuaderno, valorando posibilidades y combinando diferentes elementos. Colecciono bestiarios medievales, porque me flipan, puede que esto venga de ahí. Quien sabe.
No podría estar más de acuerdo con tu visión. Es difícil quedarse solo con uno de tus monstruos. Ni con cien. Todos son increíbles. Pero hay un diseño tuyo que me flipa especialmente: Mothman. Los críptidos, en nuestros tiempos, tienen poca presencia en la cultura popular, especialmente en nuestro país. ¿Hay posibilidad de una serie de grabados dedicada a críptidos?
Es increíble esto que dices, casi telepático, porque cuando venía hacia aquí, una de las ideas que me rondaba, y que estoy empezando a dar forma, es hacer un libro sobre críptidos. Me encantaría hacer un recopilatorio que recogiera y explicara todas esas criaturas, más allá de las conocidas: el Yeti, el monstruo del lago Ness, etc. Todo lo que son leyendas, tanto folclóricas como urbanas, me fascina. De hecho, de los pocos libros que he escrito, tengo uno de cada: uno sobre leyendas de Salamanca, otro sobre leyendas urbanas y otro sobre creepypastas. Y quiero hacer uno sobre críptidos.
Me resultan especialmente atractivos por la posibilidad, aunque remota, de que puedan ser reales, pero sobre todo porque funcionan como reminiscencias de fenómenos ambiguos que en su día se interpretaron de distintas maneras. El caso del Mothman, en concreto, es una pasada. Son seres descritos a medias, a partir de testimonios que no siempre coinciden. En realidad, pasa un poco como con Lovecraft, tienes un campo abierto donde puedes meter mano libremente. Se pueden reinterpretar de mil formas.
Mencionabas antes a Guillermo del Toro. Has colaborado varias veces con él y parece que tenéis una estupenda relación. ¿Cómo y cuándo surgió esta conexión?
La relación con Guillermo del Toro surgió a través de las redes sociales, pero también por una cosa un tanto particular que sucedió. Aparte de Guillermo del Toro, otro de mis héroes contemporáneos es Mike Mignola, el creador de Hellboy. Me enteré de que se iba a celebrar una exposición homenaje a Hellboy en Los Ángeles, donde participaba una amiga. Por entonces yo ya estaba un poco metido en este mundillo, había ganado poco antes, ex aequo, un concurso de fanart de Hellboy, y ya que tal, le pedí a mi amiga que me colara. Quería estar allí. Aquello me abrió la puerta a participar en más exposiciones en Los Ángeles. En una que dedicaron a Guillermo del Toro, me tiré un triple preparando un grabado titulado “El muy antiguo juego del laberinto y el fauno”, que es una especie de juego de la oca en el que cada casilla representa una escena clave de la película, que además envolví en una leyenda urbana con trasfondo en la Guerra Civil. Guillermo vio la pieza, la compró y la expuso en su colección. A partir de ahí empezamos a contactar vía Twitter. Guillermo me hacía encargos de las cosas que compartía, pero fue creciendo hasta tal punto que ya no sabía cómo hacérselo llegar. Un día le pregunté, y me dijo que iba a venir a Europa en verano, podía recogerlo en persona, y ya de paso conocernos. Quedamos en París, en un restaurante japonés. Sobre la conexión, qué te voy a decir que no sepas; Guillermo es de los nuestros, fue algo inmediato. Empezamos a hablar de fenómenos paranormales en la España de los años 50, de las caras de Bélmez, de Cuarto Milenio, de animación checa… y acabamos en el tarot, que a los dos nos interesa mucho. Entonces se me ocurrió la idea de hacer un Tarot del Toro. Me dijo una frase que algún día me tatuaré: “órale, cabrón”. Al llegar a casa me puse con ello; él lo aprobó sin matices y buscó editorial en Estados Unidos. A partir de ahí llegaron más colaboraciones, incluso para sus propias películas, como las tarjetas de Frankenstein, y ahora mismo está en marcha un guion anotado de El laberinto del fauno ilustrado por mí. Poder colaborar con este hombre es una de las cosas de las que más orgulloso me siento.
Antes de dar por terminada la entrevista, me gustaría volver a Lovecraft una vez más, si no te importa: Necronomicoins. ¿Cómo se gestó esta maravilla?
Las Necronomicoins fueron, sencillamente, otro ejemplo de marketing absurdo de estos que se me ocurren a mí. Y todo surgió del propio juego de palabras. Un día estaba pensando “necronomicón, necronomicón, necronomicón …”, se cruzó de por medio el tema de las criptomonedas y, no sé, algo hubo ahí, que de repente pensé: “¡hostia, necronomicoins!”. Y ya está. Me inventé una película, como hago siempre, un pequeño lore para las monedas. Diseñé los grabados y, justo entonces, entró en juego un escultor extraordinario, Victor Marin, que hizo miniaturas maravillosas de cada moneda, cuidando hasta el último detalle: erosiones, desgastes, texturas… Después se sumó otro fenómeno, el Artesano del Rey, que es un profesional especializado en este tipo de trabajos. Y básicamente fue eso, una aventura de tres zumbados que decidieron hacer lo que les apetecía hacer. La verdad es que quedaron muy bonitas. Lanzamos un crowdfunding, salió adelante, las monedas se siguen haciendo y vendiendo, pero tampoco hay mucho más detrás. Sigue siendo, sobre todo, una simpática anécdota. Luego me enteré que hay muchísimas monedas lovecraftianas circulando por internet, pero he decir que ningunas tan creíbles como estas.
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Muchas gracias, Tomás. Ha sido un placer charlar contigo. Espero que volvamos a vernos pronto. Celsius está ya a la vuelta de la esquina, y hay que decirlo: espectacular el cartel de esta edición, diseñado por ti. Allí nos vemos. Un abrazo.
Por Jedediah.
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